這個薩爾茲堡音樂會現場錄音錄於1977年, Gramophone 及 Penguin Guide 均一致給予此盤最高評價, 無論是鴐御鋼琴的技巧, 音色造句, 速度的拿捏, 音樂感及表達力, 均是首屈一指! 此盤收錄李希希特本人最喜愛的作品, 包括貝多芬的快樂小行板、簫邦的華爾滋; 詼諧曲、船歌及德布西的貝嘉馬斯鳭組曲(包括著名的月光曲 [Track 9])及幻影曲集. 大家細心欣赏吧

上世紀幾乎所有的鋼琴名家都給予 Sviatoslav Richter (1915-1997) 的演奏藝術極高的評價。一向目中無人的 Vladmir Horowitz 一談起 Richter 便說“那些蘇聯鋼琴家裏面，我只看好 Richter，我看過他彈 Scriabin 的練習曲，彈的太棒了，我自歎不如”。而一向都嚴以律己，以取消演奏會聞名的 Michelangeli 曾表示他最崇敬的鋼琴家就是Alfred Cortot 和 Sviatoslav Richter 。

以演奏巴赫聞名的Glenn Gould在一次拜訪蘇聯過程中聽了Richter 的演奏之後對CBS 唱片公司的人說：“Sviatoslav Richter 是有史以來最偉大的鋼琴家”，並對 Richter 演奏的舒伯特的第21鋼琴奏鳴曲(D960)給予高度評價（Glenn Gould 以前很討厭舒伯特的第21鋼琴奏鳴曲，原因是太冗長了，但聽了 Richter 的演奏後改變了看法），並認為 Richter 成功地在作曲家與聽眾之間建立了一條橋樑。

中國鋼琴家傅聰也十分推崇 Sviatoslav Richter ，傅聰1954年11月14日給父親的信中說：“昨天我聽到了蘇聯最好的鋼琴家 Richter 的演奏，我無法形容我內心的激動。他是個真正的巨人，他的最強音是十二分的強音，最弱音是十二分的弱音，而音質是那麼美，樂句是那麼的深刻，使人感到一種不可名狀的力量，而技巧，了不起的技巧，簡直是鬼神的技巧！每一個音符象珍珠一般，八度音的段落像海潮一般，總而言之，包括所有的唱片和鋼琴家在內，我沒聽過這樣出神入化的演奏。”

（注：這段評價來自《傅雷談音樂》127頁 當代世界出版社2005年11月版。另外有人提供資訊說多年前的《愛樂》上有傅聰弟弟傅敏的訪談錄，傅敏提到傅聰到俄國學習演奏時就在 Richter 家裏住過）

除此之外，匈牙利鋼琴家 Kocsis 曾以 Richter 的演奏境界為自己的追求目標，美國鋼琴家 Van Cilburn 也十分推崇Richter，曾在各種場合推薦 Richter 的演奏。

（注：Van Cliburn 是第一屆柴可夫斯基鋼琴大賽的冠軍得主，這屆鋼琴大賽的評委主席是 Emil Giles。評委中還有 Sviatoslav Richter 和 Heinrich Neuhaus)。Richter 在決賽上打了Van Cliburn 滿分，而給其他所有選手打了零分，對於 Cliburn 的演奏，Richter 認為“鋼琴演奏從來只有將內容表達出來和沒有表達出來兩種， Cliburn 的演奏恰如其分的表達了音樂內容”，賽後 Richter 還向師傅 Neuhaus 透露說“ Van Cliburn 雖然人有20來歲了，但心理卻是個14歲小孩”。值得一提的，中國鋼琴家劉詩昆都參加了這屆鋼琴大賽，劉詩昆獲得第二名）

至於蘇聯本國鋼琴家對Richter 的評價就更多了，與 Richter同出 Neuhaus 門下的 Gilels 在美國成功舉辦演奏會後說“你們等著聽 Sviatoslav Richter 的演奏吧，他比我強十倍！”。Richter 的師傅 Neuhaus 有次發表了一偏文章，這偏文章是這樣開頭的“我國有許多偉大的鋼琴家，比如Sofronitzky，Gilels， Oborin……，如果要問我這麼多鋼琴家裏面誰最偉大？這是個很難回答的問題”，然後 Neuhaus 就在這篇文章裏及其隱晦的回答了“他們當中誰最偉大”這個問題，答案就是 Sviatoslav Richter ！

（注：Lev Oborin，第一屆蕭邦鋼琴大賽冠軍得主，偉大作曲家 Shostakovich也參加了第一屆蕭邦鋼琴大賽並被普遍認為是眾望所歸的冠軍，但由於決賽前 Shostakovich 臨時生病並嚴重影響了發揮以致落選冠軍）

George1977 兄：

與 Richter同出 Neuhaus 門下的 Gilels 在美國成功舉辦演奏會後說“你們等著聽 Sviatoslav Richter 的演奏吧，他比我強十倍！”。＞

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"But wait you hear Richter!"

Gilels 在 1955 年的這句話，經常令我想起《三國演義》第二十五回的情節。話說曹操見關公殺敵如入無人之境，便盛讚道：「將軍真神人也！」

關公曰：「某何足道哉！吾弟張翼德於百萬軍中取上將之頭，如探囊取物耳。」操大驚，回顧左右曰：「今後如遇張翼德，不可輕敵。」令寫於衣袍襟底以記之。

Haha George!

Yes, this album is irresistible indeed. I haven't bought the other Klemperer CDs on Medici because they are Bruckner and quite expensive. However, I am still waiting for his Bruckner 5, 7, 9 on the old EMI Klemperer Edition!

His Eroica is THE Eroica!

Trollope兄:

Sviatoslav Richter 確實不愧為俄羅斯的鋼琴上帝!

論技藝論學識, 僅有 Horowitz, Gilels 可爭一席位!

論藝術修養, Richter 精通文學,繪畫, 誰可爭鋒?

論人格風骨, Richter從未加入共產黨,敢於為被迫害的藝術家出言譴責蘇共, 絕對是空前絕後! Salute!

George1977
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我的心頭好﹕真樂韻鑽研幾十年

2007-09-23

【明報專訊】貝多芬一生創作了三十二首鋼琴奏鳴曲，不只窮盡了當時鋼琴演奏上所有的可能語法，而且還運用了超越那個時代鋼琴工藝與演奏水準的許多旋律與和聲。自己也是鋼琴作曲與演奏雙料大師的布梭尼說過一句名言：「以巴哈為基礎，經過李斯特，才有辦法到達貝多芬。」貝多芬的學生徹爾尼，加上徹爾尼的學生李斯特，幾十年在鋼琴演奏技巧上不斷鑽研發明，才讓貝多芬寫在樂譜上的想法，真正能在鋼琴上實現。


俄鋼琴家演奏 一半聽眾同時淌淚

這三十二首奏鳴曲中，最受歡迎的當然是幾首有特別暱稱的，例如八號c小調『悲愴』，第十四號升c小調『月光』，第十五號D大調『田園』，第十七號d小調『暴風雨』……這些都很好聽，在音樂史上也都有特殊的地位。不過，因為一個美麗、令人難以抗拒的故事，如果在三十二首中，一定只能選擇一首，那麼我會選，卻是沒有暱稱，沒有那麼有名的第七號D大調奏鳴曲。


故事是三十年前，正在巔峰狀的俄國鋼琴家李希特，到布達佩斯訪問演出，演奏這首奏鳴曲時出現了神奇的狀，在一個音符上，一半以上的聽眾竟然同時掉下淚來。更神奇的事，兩位當年有幸參加那場演奏會的人，三十年後相聚，聊起那場演奏會，回響起那個神奇神秘的音符，竟然又不約而同，再度流下感動的眼淚來。


聽音樂會聽到想哭落淚，是許多人常有的經驗，可是，半場以上的人都落淚，而且都在同一瞬間落淚，怎麼可能！然而若是你了解李希特彈琴創造出來的特殊音色效果，如果你認真聽過這首貝多芬七號奏鳴曲，那看似不可思異的事件，就變得可以理解了。

二樂章緩板悲傷利用光影變化描寫

這首貝多芬早期的作品，創作於一七八九年，用的是當時貝多芬野心勃勃極力開發的「大奏鳴曲」形式，所以一共有四個樂章。第一樂章以急板出現，接卻是戲劇性降速的緩板第二樂章，第三樂章安排了快板的小步舞曲，最後以同樣快板的輪旋曲結尾。


這部作品最特別的焦點，是第二樂章。緩板樂章卻用了平常用於第一第三快板樂章的「呈示——發展——再現」奏鳴曲形式，而不是古典主義時期慢速樂章習慣使用的分段反覆迴繞。貝多芬在樂曲指示上，除了「緩板」，還加上了「憂傷」，他曾經對學生辛德勒說明：這樂章要「用各種光影變化的色調，來描寫悲傷者的心情。」換句話說，這是用音樂來追摩悲傷的種種情緒變化的作品，而且意圖在音樂中表現視覺明暗變化。


難怪音樂史學者主張，這個樂章顯露了貝多芬耳朵聽力惡化的階段，貝多芬無法不悲傷，無法忽視自己心中的沮喪與挫折，同時，聽力的衰退，也讓他轉而對視覺的效果，格為敏感，他似乎想要用視覺的強調強化，彌補聽覺，努力，近乎絕望地努力說服自己，音樂不見得只能依靠聲音與聽覺。


正是這種我們知其荒謬的努力，讓這個樂章分外悲傷。在這個樂章裏的貝多芬，是一個純然的表現主義者，他一心一意只要表現悲傷的不同面貌，專心到完全不在意那不斷旋緊的和聲，配合優美到無奈的旋律，刻劃了那麼深的哀傷與憂鬱，以致音樂完全沒有訴說哀傷之後，進而發泄哀傷積鬱的功能。


羅曼羅蘭稱這個樂章為「時代的史詩，宏偉地體現出人們的精神」，如果真的這樣，那貝多芬所要體現的時代，或羅曼羅蘭感受的時代，必然有本質性的哀傷沉痛啊！


不過，這個偉大的樂章絕對不能單獨聽。其沉痛哀傷畢竟是從原本急板樂章部分愉悅部分倉皇的對比對照中呈現出來的，更重要地，要連聽到貝多芬第三樂章的安排，我們才更能明瞭第二樂章真正的心理衝擊。


政治箝制心情悲憤李希特領會貝多芬原意

回到李希特的故事，看看他在布達佩斯到底做了什麼？飽受蘇聯統治箝制，又具備最挑剔藝術思考能力的李希特，領會了貝多芬的純粹描述用意，固執地反覆地用驚人音色變化表現那不放鬆的悲傷張力，讓全場聽眾都感染了那揮之不去的沉重，喚醒了自己心中甚至不敢或不願面對的悲傷經驗，彷彿一生所有的痛苦全都伴隨音樂回來了。樂章結束，每個人都被釘壓在座位上，動都不能動，更發不出一點點聲音來。絕對的靜默之後，李希特終於抬起手，彈下第三樂章的第一個音符，啊，他指下歌唱般發出的音樂，竟然如天堂般甜美溫暖，於是剎那間，全場緊繃的哀傷全然釋放，大家都哭了，為音樂而哭，為人生而哭，為自己的痛苦與救贖的希望而同聲一哭……


曾經錄下全部貝多芬鋼琴奏鳴曲經典版本的奧地利鋼琴家布蘭德爾，用最簡單的話，定論這首非聽不可的樂曲：「如果讓我來選的話，它是三十二首奏鳴曲中最完美的一首。」

文﹕楊照

http://ladies.sina.com.hk/cgi-bin/nw/show.cgi/217/4/1/150204/1.html

Richter 演奏的D960速度極其緩慢，尤其第一樂章最甚，見樹亦見林的詮釋，儘管尚有其他 Richter的D960現場錄音，但日本唱片藝術對此錄音卻情有獨鍾，隨著20 bit K2 技術的改進，JVC 還曾再版這個版本。聽慣Richter的演出後，總以為其他的鋼琴家 (Brendel, Serkin)搞亂速度，難怪日本樂評說 Richter此碟非常獨一無二，不容有Copy Cat。除了D.960，Richter 的D.894演奏也是慢到你聽完就無法接受其他鋼琴家的詮釋。

JVC當年發行過很多鋼琴家 Sviatoslav Richter 的CD，這張錄於1972年8-11月的舒伯特第21號鋼琴奏鳴曲 (D.960)，就被認為是同曲目相當重要的版本之一，根據CD上的資料，此碟最早出版於1985年，當時售價是日幣3200，屬於昂貴的 reissue，一張CD收錄一首D960 (大約 40分鐘)很奢侈。

再來談談另一張李希特的唱片，BBC發行，收錄於一九七五年六月十一號在英國小鎮歐德堡(Aldeburgh)的演奏會實況，曲目包括貝多芬第三號鋼琴奏鳴曲，鋼琴短曲集Bagatelles Op.126中的三首，以及第二十九號鋼琴奏鳴曲，「漢馬克拉維亞」。


根據唱片解說，李希特於一九六四年首度造訪這個位於歐德堡的音樂節，從此之後留下許多著名的音樂會，例如另外一張BBC所發行的專輯。一九七五年再度造訪時，事情主辦單位並未宣佈演出曲目。不過，一九七五年的歐洲樂壇引領期盼的就是大師將帶著貝多芬的鉅作漢馬克拉維亞巡迴演出，所以倒也不是個意外。似乎目前留下可考的錄音，都是收錄於該年。另外一個Praga的錄音也是1975。至於 Stradivarius的版本也是，只不過地點不同。但是，儘管是同一齣曲目，每一場都有收藏的價值，因為李希特的演奏受到現場的啟發影響甚大，所以，每一場的表現與詮釋都不一樣。因為正如解說也提到，當年李希特或許興致高，於是突然宣佈加演一場柴可夫斯基與拉赫曼尼諾夫的即興音樂會。


第 一次聽到李希特的版本之前，心理頭想的是，他會用什麼樣的速度來表現第一樂章。以前在書中讀到，貝多芬對第一樂章的速度要求是非常快的(當然細節我不清楚)，按照那樣的速度彈起來，第一樂章應該是大約八九分鐘左右，奏完全曲應該大約三十分鐘。但是，大多數名家的錄音都沒有那麼快，多半在四十至五十分鐘之間，據說李斯特也花了四十多分鐘。(目前為止我只知道顧爾達F. Gulda曾經試圖照速度彈，很快，但是很急促的感覺)。之所以會特別期待李希特的錄音，是因為他向來講究對於樂譜的忠實。即使當他的舒伯特D960出奇的慢，他也會說，譜上就 是這麼要求的。所以，如果他真的認真讀譜的話，或許會忠於速度的記號而非快的彈完。但是他沒有。基本上他各個樂章的速度並無任何出人意表的地方。但是，整體的感覺卻是出奇的精采。我先試著把一些小地方列舉出來，最後再總結我的看法。


第一樂章開始的主題真是無比的堂皇，如千軍萬馬般像聽眾的面前襲來。解說提到，年輕的布拉姆斯顯然受到這個主題的衝擊，所以他的第一號鋼琴奏鳴曲的第一樂章，也是以類似的音型出現。儘管沒有驚人的快速度表現，但是李希特的詮釋簡直無懈可擊，不論是架構，對比，細節，都在那裡。展開部賦格段落也是氣勢雄偉。最值得稱道的部分，絕對是第二樂章。這個短短的樂章，介於氣勢堂皇的第一樂章與悲切神秘的第三樂章之間，是很容易被忽略的。不僅如此，如何適當的連接也是很大的問題。貝多芬沒有寫一個同樣長大的詼諧曲，反而用短短的詼諧曲辦到了。不到三分鐘的時間，簡單的ABA結構，看似簡單的詼諧曲主題，怎麼看都會想，貝多芬怎麼不寫個更大的詼諧曲，以便平衡四個樂章(那樣可真是鋼琴家的夢靨了！)。李希特的詮釋特別著重詼諧曲的切芬音主題的舞曲律動性格，我們幾乎可以感受到碩大的鋼琴在跳動，好像大象模仿樹梢上的鳥兒輕巧的跳躍。除了這種生動的動感之外，李希特也把主題的內聲部彈的很清楚。中段的主題上下融貫在三連音的漩渦當中，李希特也有精采的表現。中段結束之際，快速的上升音型之後的「震音」，李希特來了一段如鐘聲般的漸弱，不同於其他鋼琴家的突強音，也算一絕。而樂曲最後的突然轉調，替第三樂章作了準備。第三樂章的慢板與第四樂章的賦格，李希特也作出了深刻的對比。

另外一首第三號鋼琴奏鳴曲，個人認為也是李希特的拿手曲子。根據資料，除了一九七五年之外，上一次李希特彈奏這種奏鳴曲的時間是一九六零年，也就是首度到美國登台的曲目之一。李希特將這首貝多芬早期的鋼琴曲表現的深刻。或許不像其他演奏家那樣強調自然或是純真，但是卻能深入樂曲本身。這次演出還有一個有趣的插曲：李希特在第一樂章沒有反覆呈示部！這件是看起來不怎麼嚴重，因為很多人都沒有，像巴克豪斯的全集錄音就幾乎都沒有反覆。問題是，李希特的信念一向是要反覆呈示部，他甚是說過，鋼琴家不反覆，就像是樂曲被搶劫一樣，剝奪原本屬於它的一部份。據說只有這個地方，李希特沒有反覆。至於原因呢？他是刻意， 或是不小心？或許只有問他本人了。不過，從一九七五年的其他幾場演奏錄音 (Olympia, Music and Arts, Praga)都有反覆來看，他應該是忘記了。大師畢竟還是人。(當然，有沒有可能是唱片公司基於其他考量而動手腳呢？根據消息，BBC並沒有為了把整場音樂會塞進一張CD的容量而把反覆部分刪除。)

除了BBC這張之外，我還有Praga的錄音。Praga那張除了這首之外，另外收錄了不同時間錄製的貝多芬奏鳴曲第二十七號與二十八號。我會說兩張都有同樣的收藏價值。真要比較的話，Praga的錄音比較輕一點，相對地也比較乾淨。在歐德堡的錄音倒是比較多的迴音，音色比較豐富一點，但也比較混一點。不知道跟琴有沒有關係，Praga這張很清楚可以聽出是Yamaha的琴，倒是BBC那張比較不像。詮釋的角度基本上是相同的，倒是李希特在布拉格顯現出年近耳順之年的他仍然有完美無瑕的 名人技駕馭繁複的賦格曲，至於在歐德堡的李希特，則藉著一些技巧上的吃緊來呈現貝多芬在樂曲中所要傳達的緊張感(這位寫解說的轉的真是硬)。

[02/28/2002]

http://blog.roodo.com/eusebius/archives/795256.html

緊接著又將於2009年春天或夏天發行另外一張新碟，BBCL 4255-2，收錄李希特與費雪迪斯考合作的布拉姆斯以及舒伯特的歌曲。曲目與錄音時間地點為英國的歐德堡(Aldeburgh)：

Brahms 15 Romances from Die schone Magelone, Op 33. 20 June 1965.
Parish Church, Aldeburgh.

Schubert Auf der Donau D553 (Op 21.1) Der Wanderer D649
An die Freunde D654 Prometheus D674
Aus Helopolis II D754 Der Wanderer an den Mond D870 (Op 80.1)
Fischerweise D881 8 June 1972 , Snape Maltings.

有趣的是，錄音時間記載為1972年6月8號的曲子（D654, 674, 870），都是首度出現在李希特的錄音文獻中，而目前的相關資料都顯示，李希特當天並沒有公開演出的紀錄。但是BBC又是公認不會亂搞錄音日期的唱片公司，刻意造假的機會不大。所以，究竟是挖掘新的音源，或是標錯日期，這張唱片的真實身份究竟如何，應該是值得注意的題材。不過目前的訊息看起來似乎以標錯鋼琴家身份的可能比較大，因為1972年6月8日費佬的確在英國演出過那幾首曲子，只是合作的搭檔是布列頓(Benjamin Britten)。

話說李希特與費雪迪斯考的合作錄音，至少已經有下面幾個。布拉姆斯的歌曲曾經在AS Disc發行過。

http://blog.roodo.com/eusebius/archives/8400391.html

據報導，BBC Legends繼2008年年底發行這張李希特專輯之後：
（這是李希特在英國首度公演的實況，彈奏海頓與普羅高菲夫的曲子。）

http://blog.roodo.com/eusebius/archives/8400391.html

上禮拜一時衝動，又買了一張李希特的「新碟」。收錄的是李希特演奏貝多芬的三首鋼琴奏鳴曲，第三號，第七號，與第二十號。先是在Amazon看到的preorder的發行預告，而且發行的唱片公司是DENON。印象中，日本的DENON從未發行過李希特的任何專輯。而且DENON又是一家聲譽卓著，不會亂搞的公司，冷戰時期，更是從東歐國家挖掘一些優秀的音樂家與錄音，所以倒是滿懷期望會是新出土的好貨色。加上價格更是便宜，不到$10，所以就給他pre-order一張。希望會是新發現的寶貝。


前幾天收到之後，跟預期的落差非常大。首先，唱片公司雖然叫做DENON Classics，但是一點日本味道都沒有，公司地址在美國，公司的網址主打的是跨界小提琴家A. Rieu的唱片。我猜測是DENON在日本的分公司脫離獨立經營了。

唱片本身的製作也很不理想，解說頁只有列出樂章的時間，卻沒有任何有關錄音時間與地點的說明。只寫著Live Concert Recoordings演奏會實況錄音。這年頭還真的非常少看到這樣子的不專業發行了。後來在Amazon的網頁上看到有位樂評人寫，這套錄音是完成於1960年代。

所以，根據手邊的資料看起來，應該又是一張已經發行過的再版，分別灌錄於1960 （第三號與第七號）與1965（第十九號），地點是Leningrad。曾經在Leningrad Master LM 1323 與Icone 9402 發行。好處是，不管是Icone （下左圖）或是Leningrad Master（下右圖），都已經很不容易買到了。我也只收集到Icone這張。所以，這張新的再版發行，還是值得收藏的。誰知道這種小唱片公司可以生存多久呢？

演奏倒是非常優異，維持李希特一貫的高強度張力，一聽就知道是他的錄音。錄音品質尚可，似乎未做類似cedar那種抑制雜訊的處理，有一些嘶聲，但是鋼琴音色可接受。

[03/13/2009]

http://blog.roodo.com/eusebius/archives/8496431.html

DG即將發行李希特錄音合集

繼EMI的Icon系列推出李希特大全集之後，德國的DG唱片公司也將於2009年5月4日發行李希特在DG所灌錄的獨奏曲與協奏曲唱片的合集（SVIATOSLAV RICHTER Complete Deutsche Grammophon Solo & Concerto Recordings, 477812-2 |GB9|）。還不算是大全集，因為李希特與費雪迪斯考在DG也曾灌錄過舒伯特與伍爾夫的歌曲，沒有收錄在這套專輯中。總共的CD張數只有九張。對於尚未搜藏完畢的愛樂者來說，應該算是好消息。另外，唱片的封面設計也會參考去年阿格麗希的類似合集設計風格，紙袋上會是原始LP的設計。這也算是另外一個賣點。

算一算，李希特在DG的錄音還真不算多。信手拈來，可以想到的就是與卡拉揚合作的柴可夫斯基第一號鋼協。另外，拉赫曼尼諾夫第二號鋼協，也是經典。葛利格a小調鋼協，貝多芬第三號鋼協，莫札特第20號鋼協，普五，舒曼的鋼協，其他就比較是零散的曲目，畫廊系列跟柴一收錄一塊的拉赫曼尼諾夫的幾首前奏曲。黑白封面Dokumente系列的那張傳奇的德布西與舒曼。大師過世的時候DG發行的紀念專輯Im Memoriam中有幾首巴哈。雖然少，可是每一張都算是優秀的佳作。不容錯過。

衝動嗎？先等等，看看下面這些，是不是都已經在你的架子上了。

每一張封面都如此熟悉，幹嘛再買個合集？（整理這些封面出來，其實也是要幫助自己抑制購買的衝動。）沒有新出土錄音，沒有新轉錄改善音質，也不是像SHM那樣的新技術。

DG官網有完整曲目。
http://www2.deutschegrammophon.com/cat/result?COMP_ID=&sort=newest_rec&ALBUM_TYPE=&SearchString=sviatoslav+richter+477+8122&IN_SERIES=&ART_ID=&IN_XXAWARDS=&PRODUCT_NR=4778122&start=0&IN_XXSERIES=&IN_XXPQ=&MOZART_22=0&GENRE=&per_page=10&presentation=list

有EMI，有DG，下一個換PHILIPS了吧。然後Universal再來一套。還真是沒完沒了。

[03/14/2009]

http://blog.roodo.com/eusebius/archives/8504705.html

另外一個最近的李希特錄音訊息就是，轉錄老唱片技術一流的NAXOS，也把腦筋動到李希特頭上了。可能因為這些50，60年代錄音的版權已經消失，所以主要唱片公司紛紛推出大全集，撈最後一票。接著就是標榜轉錄技術的小廠出來搶了。

打頭陣的是舒曼，舒伯特，與蕭邦。預計2009年3月30號推出。相關曲目資訊如下：

Early Recordings Vol. 1 (Naxos Historical 8111352)
1948-1956 Recordings

Franz SCHUBERT (1797-1828);
Moments musicaux, Op. 94, D. 780:
No. 1 in C major Recorded in Moscow, 1952
Impromptu, Op. 90, D. 899: No. 2 in E flat major Recorded in Moscow, 1950
Impromptu, Op. 142, D. 935: No. 2 in A flat major Recorded in Moscow in 1952

Fryderyk CHOPIN (1810-1849):
12 Etudes, Op. 25: No. 5 in E minor Recorded in Moscow in 1952

Robert SCHUMANN (1810-1856):
Fantasiestücke, Op. 12 (excerpts): No. 1. Des Abends
No. 2. Aufschwung; No. 3.Warum?
No. 5. In der Nacht; No. 8. Ende vom Lied Recorded in Moscow in 1948

Robert SCHUMANN:
Humoreske in B flat major, Op. 20 Recorded in Moscow in 1956

Producer and Audio Restoration Engineer: Ward Marston ＜-- 有這位仁兄出馬，看來音色會相當有看頭。大家荷包準備好吧。

似乎都是首次在CD發行。可以聽看看當時30多歲的李希特琴藝已經成熟到甚麼程度了。

[03/15/2009]

http://blog.roodo.com/eusebius/archives/8519039.html

歐爾松(Garrick Ohlsson)的蕭邦作品全集已經入手。欣賞幾天之後，覺得歐爾松這套蕭邦大全集非常值得收藏。有下面幾點理由：

首先，價格實在。Hyperion的官網定價是80英鎊，換算成美金大約$130。Amazon目前的定價高達$246，顯然是把中價位的發行當作高價位來賣。進口產品有時候會出現在種現象，過陣子應該價格會降到$200以下才對。當然，如果你跟我一樣也想早點買一套來聽，可以考慮Amazon Market Place的賣家，$100左右的價格常常出現。

其次，製作精良。Hyperion的品質向來出色，即使是平價版，也不含糊。85頁精美銅版紙印製的解說頁，除了歐爾松本身的短文之外（請看我的翻譯），也針對蕭邦的所有作品做了完整且系統性的介紹。歌曲有歌詞。還有多幅鋼琴家的照片，包括蕭邦鋼琴大賽得獎的照片。有一點要注意的，就是銅版紙紙張厚，而且頁數多，所以不是用釘書針固定，而是用膠黏著書背，翻閱解說冊的時候，很容易就可能把黏膠的部份扯破，造成解體脫頁的現象，要特別小心。解說冊16張CD裝在一個環保硬質紙盒，不管是硬質紙盒，或是收藏個別CD的紙袋，紙質都很光滑平順。不會擔心多次拿進拿出之後，紙張會有刮傷CD表面的疑慮（那是Testament的Keilberth指環發行的最大敗筆）。每張CD的紙袋都有標明詳細的錄音資料，時間，地點，使用樂器（大多是Boesendorfer），還有在Arabesque原本的發行編號，便於收藏家比對。（相較之下，很多環保紙盒包裝的平價發行都是用相同的紙袋，例如Hungaroton的Annie Fisher那套貝多芬奏鳴曲全集，或是EMI發行的Yves Nat與Meyer的低價位全集。都只是用白色的一般紙袋裝著，收藏的價值大打折扣。）CD本身是在波蘭壓制。這點讓我有點意外，因為很少買到波蘭壓片的CD，而且Hyperion通常都是在英國本土壓片。不過，波蘭國寶蕭邦的大全集交給波蘭工廠壓制，倒也沒什麼可以抱怨的。至於Hyperion的音質與Arabesque的音質相比如何，我還得找機會來比對一下。


第三，錄音效果非常的好。1990年代的數位錄音。錄音品質與音色缺乏一致性，這點到也無可厚非，因為長達數年的錄音計畫，不同的地點。難免無法控制。像奏鳴曲那張得音色顯得明亮，而練習曲那張因為使用不同的鋼琴，而有不同的錄音效果。不過，整體而言都很優秀，而且最為人所稱道的就是把貝森朵夫的高貴琴音路得很傳神，特別是在夜曲那兩張。

第四，最初的Arabesque散張發行，現在已經很難一次買齊了。二手唱片每張動輒要價$40~$50，全部買起來，費時費力。除非是已經慢慢在收藏的資深樂迷，否則從Hyperion這套一次入手到位，省去很多麻煩，也省下不少銀兩。

第五，如先前的文章說過，這套蕭邦作品全集的錄音，可能是目前少數類似產品中，陣容最堅強的一套，不只歐爾松本人有蕭邦大賽冠軍的桂冠加持，他詮釋蕭邦的理念，我個人也很欣賞。他在唱片解說冊中的短文中寫道：

「從許多方面來看，蕭邦堪稱是浪漫派作曲家當中，最具有巴洛克味道的作曲家。」

另外，

「蕭邦音樂的本質堅若金剛，但是聽起來卻如同天籟一般，充滿即興感，甚至吹彈可破：這正是弔詭之處。表演者必須先掌握這兩個相互制衡的面向，才能進一步嚐試在兩者之間採取一種表演的策略。如果辦不到這點，他的演奏就有失蕭邦音樂的精髓。」

他也說，

「蕭邦就像是一株向光性的植物。每一片葉子的顏色與質的都不相同。他的音樂絕非死板一成不變。你必須要一次又一次地回來接近它，瞭解它，欣賞它。」

從這些隻字片語，可以看出他對蕭邦音樂的認識，是有一定的深度的，也讓我們在欣賞蕭邦音樂的時候，得到一些啟發。

總而言之，這套大全集非常值得收藏。如果可以在Amazon看到美金百元以下的deal，可千萬別錯過了。愛樂者也該慶幸，Arabesque沒有把版權賣給Brilliant公司，因為Hyperion真的非常用心再版這套當代鋼琴音樂的經典錄音。

我現在有個習慣，拿到這種大磚頭的CD，一定會立刻丟進電腦裡用轉成iTunes轉成電腦檔案，並不是因為我已經習慣用電腦聽音樂，而是因為想要確定有沒有缺片、重複（等於會少一張）的現象發生。片數越多，價格越低的所謂大全集，就愈容易發生類似的錯誤。常常買二手CD的時候，就會碰到類似的情況。

上次購買Takacs的貝多芬晚期四重奏(DECCA)，三張CD中，第三張的內容是跟第一張一模一樣，雖然印刷不同，甚至CD內緣的那些小編號也不同，但是裡頭就是一樣。製程上的錯誤。所以，光看，數編號，還是不夠的。大全集的磚頭通常買來不會每張都好好聽，更要避免這種情況發生，及早發現，及早處理，否則發現的太晚，就投訴無門了。對了，如果你在美國，想要購買那套貝多芬的二手CD，可要留意這個現象。Amazon上的新品就沒有這問題，DECCA似乎已發現也修正了。

[03/01/2009]

http://blog.roodo.com/eusebius/archives/8408249.html

中國鋼琴家李雲迪今年度在美國的巡迴演奏行程，幾天前終於到了紐約市的卡奈基音樂廳。樂評也很快就出現在紐約時報的報導(10/13/2008)。讓我感到訝異或是欣慰的是，寫作該篇樂評的樂評家ANTHONY TOMMASINI所傳達出來的感受，竟然跟我在幾個月前在本地聽到的感受非常的接近。

當然，每個音樂家每天的狀況都不一樣，在不同的場子，面對不同的觀眾，很自然的會有不同的表現。節目單上的曲目也不盡相同。但是，看了那篇樂評之後，我覺得還是有一定的比較價值。因為，兩場音樂會的曲目非常的接近。蕭邦的四首馬祖卡，平靜的行板與大波蘭舞曲，李斯特/舒曼的改編曲，下半場是展覽會之畫。

這這篇樂評也很難不落俗套，拿他跟郎朗來做對比，後者在舞台上的浪漫外放式表演風格，跟前者較為冷靜內鍊的風格，形成鮮明的對比。不過，作者說，怎麼好像當天晚上，向來比較冷靜的李雲迪也沾染了一點Langisms。當然，這句話是褒是貶，就看你怎麼解釋了。

提到蕭邦的四首馬祖卡(Op. 33)，樂評人說，他的演奏，「在華麗的外貌下，難掩躁動與滑稽的內涵」(his performances, for all their splendors, were restless and jerky)。這當然是很高竿的音樂評論，用字精確。他知道馬祖卡舞曲的困難，在於重拍應該打在哪個地方。但是，李雲迪的表現讓他覺得有急躁趕進度的樣子，重拍下的不太對。雖然我不懂馬祖卡舞曲的拍子問題，但是幾個月前我在聽的時候，也有這種類似的感覺，只不過我只能用「不太對味」的籠統字眼來表達。

另外，關於蕭邦的這首平靜的行板與大波蘭舞曲，有關波蘭舞曲的部份，樂評人寫：「絢麗的樂段與驚人的速度讓人血脈賁張，但是讓人喘不過氣的音樂顯然有些狂熱過頭了」(The polonaise, which festoons a jaunty dance tune with dazzling runs and passage work, was exciting but so breathless that it became hectic.)。我的感受也是相同的。偉大音樂家的音樂需要呼吸，你也聽得到呼吸，特別是蕭邦的音樂，之所以說他是鋼琴詩人，就是因為在樂句樂句之間，聲音與無聲之間，和聲之間，應該有一定的氣息的流動。

至於展覽會之畫，樂評人也沒有甚麼好印象。只看到快速的音符與淋厲的技巧，至於為什麼要這麼快，聲音這麼大，好像聽不出個所以然，只是為了要show技巧嘛？(But did he race through the dauntingly difficult “Marketplace at Limoges” just to show off his nimble fingers and awesome repeated-chord technique? Final notes of certain phrases were swallowed up as he lurched to the next.)

這位樂評人對於李雲迪與小澤征爾的那張協奏曲讚譽有加，他最後表示，也許多演奏一些室內樂，跟一些比較強勢的指揮合作，對他會有幫助吧。

當然，紐約樂評人向來以尖酸刻薄著稱，看走眼說錯話的事情也不是沒發生過，聽聽就好。只不過，讀到一篇可以讓我產生共鳴的樂評，還是讓人欣慰。

舊文：李雲迪：sensation or success
http://blog.roodo.com/eusebius/archives/5731775.html

原文：New York Times (10/13/2008)。
http://www.nytimes.com/2008/10/13/arts/music/13yund.html

[10/17/2008]

http://blog.roodo.com/eusebius/archives/7431351.html

【大紀元1月16日訊】（大紀元記者于林綜合編譯）2008年11月英國音樂評論家諾曼‧萊布雷希特（Norman Lebrecht）透露，來自中國的優秀鋼琴演奏家李雲迪已遭到所屬發行公司德國留聲機公司（Deutsche Grammophon）解約。消息傳來，對各地的愛樂者而言，不啻是一項令人失望的消息；同時也不免將李雲迪的處境對照該公司旗下另一華裔鋼琴家郎朗，感嘆兩人的境遇大不相同。

華爾街日報樂評人艾夫力（Benjamin Ivry）近日撰文為李雲迪打抱不平，認為現今古典樂壇衰退，一切以DVD或CD銷售量至上，迫使許多音樂家演奏流行樂曲，譁眾取寵。艾夫力直接點名郎朗，同時暗諷被奉為大提琴「大師」的華裔演奏家馬友友。

艾夫力指出，1982年生於四川重慶市的李雲迪，演奏風格精緻優美，其動人之處在於深入探索音樂作品的內在精神，並擅長詮釋浪漫派作曲家蕭邦（Chopin）和李斯特（Liszt）的作品，被譽為極富有詩意。相形之下，郎朗的唱片雖然迎合市場口味、相當受大眾歡迎，但就音樂水平來看，卻十分粗魯不文。

郎朗自從北京奧運開幕儀式上演奏庸俗的中國民謠後，他的演奏事業正蒸蒸日上。在他與大衛‧瑞茲（David Ritz）合著的回憶錄《千里之行：我的故事》（Journey of a Thousand Miles: My Story）中，郎朗將自己內心黑暗陰沉的世界揭露了出來。

艾夫力指出，自傳中郎朗清楚描繪力爭成為「第一名」的歷程，而他的生活和藝術生命更是由憎恨與自我中心驅使的一場又一場權力鬥爭。郎朗自幼成長於共產體制下，父親為中共軍警，對他施以嚴厲的訓練要求。書中提及有一次郎朗練琴遲到，他父親便下令他「要麼跳樓、要麼喝藥」自殺。

此外，除了在費城科蒂斯音樂學院（Curtis Institute）就讀時的老師－－鋼琴大師蓋瑞‧格拉夫曼（Gary Graffman）之外，郎朗在書中表示，憎恨所有他曾受教過的鋼琴老師。但在書中沒提到的是，當年格拉夫曼對郎朗的演奏曾語帶譏諷地說，如果舒曼（Schumann）聽到郎朗對他音樂的詮釋，可能會心臟病突發，雖然「可能不至於致命」。

因此，郎朗自然無法理解追求「第一名」只有在運動競技或在極權政府的體制內才會被標舉、鼓勵，而音樂藝術的境界無法靠這種在極權體制內養成的爭勝取寵心態獲得提升。

艾夫力大力推崇李雲迪，認為他並未被唱片公司與音樂會推廣單位的喧囂聲所湮沒，依舊展現出一種截然不同的鋼琴家風範與藝術境界。在2008年10月11日紐約卡內基音樂廳（Carnegie Hall）舉行的個人演奏會，以及由德國留聲機發行廣受讚譽的音樂CD中，李雲迪都證明了他詮釋出的浪漫派作曲家蕭邦和李斯特，具有不同凡響的深度。

演奏會當晚，他彈奏的蕭邦《降E大調夜曲》（Nocturne in E-flat Major, Opus 9, No. 2）和《馬祖卡舞曲》（Four Mazurkas, Opus 33）喚起人們內在深層的懷舊之情，深入探索情感的內蘊，這是那些只在鍵盤前裝模作樣如郎朗之流絕對無法企及的境界。難怪眼光獨到的紐約樂評家哈里斯‧郭德史密斯（Harris Goldsmith）也對李雲迪讚不絕口，稱讚他的演奏表現出「貴族般的高雅」和「精湛的藝術造詣」，堪稱「多年來、甚至數十年來僅見的最偉大鋼琴天才」。

不過，一個月後李雲迪同樣在卡內基音樂廳舉行的演奏會，卻改動了曲目。原本打算演奏莫札特（Mozart）和貝多芬（Beethoven）的作品，以展現他內在對音樂傳統和作曲家個性的了解和領悟，後來改成一首李斯特改編自舒曼曲風浮誇的曲子Widmung、幾首郎朗最擅長的那類「老幾樣」庸俗中國民謠，以及一首被樂評家過度強調的最長曲目，莫傑斯特‧穆索爾斯基（Mussorgsky）的巨作鋼琴套曲《展覽會上的圖畫》（Pictures at an Exhibition）。如果沒有外在強加的壓力，李雲迪應該不會自願捨棄舒曼或海頓（Haydon）的內心作品，而選擇穆索爾斯基陳腐的老調。

除了曲目異動，唱片公司行銷李雲迪時也確實遇到了一些問題。李雲迪是個來自中國鄉下地方的青年鋼琴家，德國留聲機在設計他錄製的蕭邦和李斯特音樂CD封面時，竟把他包裝成一臉濃妝、故做陶醉狀，還強加給他一種雌雄莫辨的造型。這類錯誤的行銷方式，對於整個新一代的亞裔和亞裔美籍鍵盤演奏家的發展來說，是一則很負面的預示。

目前新生代的演奏家包括了定居紐約的伍蒂（音譯），她是位敏捷年輕的女性，她充滿熱情、力量及真誠的演出應該很快可以讓她取得一紙合約，屆時希望唱片公司不會試圖把她包裝成一個惹人愛憐、濃妝艷抹的玩偶。1987年出生於北京的王羽佳（音譯）也是一位才華橫溢的鋼琴家，她剛剛與德國留聲機簽約，但她的加盟還未正式宣布，首張唱片將於5月份發行。另外對於年紀更小的天才，例如出生在美國伊利諾州的神童鋼琴演奏家暨作曲家陶康雷（Conrad Tao）和來自中國的龔鵬鵬，唱片公司也應該推出更加成熟的市場策略，以免重蹈李雲迪的覆轍。這兩位少年鋼琴家目前都就讀於朱麗婭音樂學院（Juilliard）預科班，他們的演奏要比多數成人鋼琴家更加嫻熟。

除了唱片公司妥善研擬行銷演奏家的策略，難道古典音樂的市場已經狹隘到只容一個郎朗或一個李雲迪生存下來嗎？德國留聲機解約李雲迪只是一個最近發生的個案，再次證實音樂造詣並不保證一定能取得唱片公司的錄音合約。另外一個例子發生於大約10年前，新力古典（Sony Classical）與藝術造詣堪稱爐火純青的台灣小提琴家林昭亮解約。據林昭亮本人表示，解約的原因是他不願意或者不能錄製讓大提琴家馬友友在流行音樂排行榜上居高不下的那種「跨界」的準流行音樂。

到底精緻藝術是否有可能和眩目但卻空洞的展示同時並存？在當年美國好萊塢明星鋼琴家荷賽‧依特比（Jose Iturbi）家喻戶曉的年代，觀眾仍然對魯道夫‧塞爾金（Rudolf Serkin）和莫伊塞維契 （Benno Moiseiwitsch）這些大師們嚴肅、樸實無華的表演趨之若鶩，而且永遠都不會把他們和流行音樂的演奏者混為一談。

艾夫力希望很多如日中天的鋼琴大師，如梅里‧佩拉希亞、理查‧古德（Richard Goode）、安德拉斯‧希夫（Andras Schiff）和彼得‧塞爾金（Peter Serkin）等人不被唱片公司馬戲團式的叫賣所腐化，而不是如李雲迪這樣被利用、然後又很快被拋棄。

http://www.epochtimes.com/b5/9/1/16/n2399155.htm


郎朗在去年北京奧運時與一名小女孩一起演出，事後被批造假，連鋼琴的蓋子都沒打 開。（AFP/Getty Images）

我的心頭好﹕作曲家與演奏家的跨時代合作 葛利格a小調鋼琴奏鳴曲 op.16
【明報專訊】 文﹕楊照 編輯：翁昕歆

20世紀中期，33轉的LP（長時播放唱片）取代原本的78轉的賽璐璐片，對古典音樂的錄音與流傳，帶來了革命性的變化。本來受限於唱片長度，能夠錄音發行的，僅止於短篇的歌唱或獨奏小曲，稍微長一點、複雜一點的曲子，就還是必須進音樂廳裏才聽得到。LP兩面加起來可以容納大約一個小時的錄音，打破了這個限制，人們開始可以在家中客廳從容地聽貝多芬交響曲了。

LP的形式，另外帶來了古典樂曲有趣的「配對」習慣。畢竟不是所有曲子都能灌滿一張唱片，於是錄唱片時，就必須考量將一些曲子合理地放在一起，符合唱片的基本長度。

如此「配對」中，最是「登對」，一直到LP被CD取代了都還是沿習不墜的，在小提琴中，有孟德爾頌的e小調小提琴協奏曲配布魯赫的第一號g小調小提琴協奏曲；在鋼琴方面，則有舒曼的鋼琴協奏曲配葛利格的鋼琴協奏曲。這兩種配法之所以歷久不衰，一方面因為這幾首作品長度都剛好在半小時左右，恰恰一首佔唱片一面；另一方面更有其音樂內部的道理。布魯赫的作品明顯承襲孟德爾頌，葛利格的鋼琴協奏曲更是明白模仿舒曼，向舒曼致敬。


向舒曼致敬
葛利格的鋼琴協奏曲，甚至連選擇的主調，都跟舒曼的一樣是a小調。1858年，15歲的葛利格第一次聽到克拉拉演奏舒曼的a小調協奏曲，馬上就被迷住了。跟隨舒曼的例子，將舒曼曲中開發的想法跟語彙進一步充分發揮，成了這位遠從挪威到萊比錫學音樂的少年，心中的野心夢想。夢想擺放了將近10年，環境條件終於成熟，讓葛利格得以將之落實為作品。

那一年，葛利格的作品在西歐得到了極佳的風評，家鄉挪威開始意識到有一位音樂上的民族驕傲正在崛起，許多人慷慨解囊贊助葛利格的作品，葛利格在生命中第一次嚐到富裕的滋味。

還有，他剛剛娶了女歌手哈格露普為妻，沉浸在新婚的幸福中。而且，跟一個具備一定音樂天分的女子結婚，可以共同討論音樂，這種幸福雖然跟舒曼和克拉拉那種夥伴關係有點距離，但也只有一點距離而已。

葛利格的唯一鋼琴協奏曲
春風幸福的葛利格在那年夏天，到丹麥度假。如詩如畫的田園景色包圍着一間有鋼琴的小屋，葛利格就在那裏完成了協奏曲的鋼琴部分，隨後回到奧斯陸家上樂團總譜。1869年4月，這首葛利格唯一的鋼琴協奏曲正式發表。

從一開始，這首作品就和舒曼的作品緊密相連。喜歡舒曼作品的人，很容易就能在葛利格作品中得到訝異的滿足。遺憾像舒曼對鋼琴音樂做出如此巨大突破變化的人，終其一生竟然只寫了一首鋼琴協奏曲。沒想到會出現一首簡直像是舒曼復活再多寫的協奏曲續篇，裏面有真正的「舒曼精神」灌注其中，卻又有葛利格自己的範式與風格。



瑕疵更顯魅力
認真比對此曲與葛利格其他作品，我們可以更清楚評價「舒曼精神」的重要。葛利格在萊比錫學到的，是極其嚴謹的古典音樂手法，講究規模講究格律也講究結構。可是在這首作品中，他難得放掉了自覺的規矩，展現了少見的浪漫流盪。對舒曼致敬，意味着連舒曼若干失手渙散的地方，葛利格都跟着襲寫，這首作品有別的作品不容易看到的明顯瑕疵，然而神奇地，正因為這些瑕疵，讓作品具體、人性而散發出特殊的魅力。


Further review on Musicweb International:
http://www.musicweb-international.com/classrev/2003/may03/Grieg_Schumann_Richter.htm

真誠 (John Field)

文／楊照

一八三一年，蕭邦剛從波蘭到巴黎發展，開始受到注意，他興奮地在給朋友的信中說：「一些已經成名的鋼琴家都來跟我學琴，而且他們拿我跟費爾德相提並論！」


這個費爾德 (John Field) 是誰？為什麼蕭邦覺得跟他相提並論，是這麼重要的成就？


約翰費爾德是個愛爾蘭人，年紀輕輕就被送到倫敦，跟隨當時最了不起的鋼琴家克里蒙第學琴。他到倫敦時，克里蒙第正在發展他的鋼琴製造生意，費爾德很快就成了他的「活櫥窗」。除了每天嚴格的練琴進度之外，克里蒙第還派費爾德負責鋼琴示範，給人家聽他造的琴有多豐富的音色變化。


一八０二年，費爾德隨克里蒙第到巴黎演出，大受歡迎。於是他繼而轉往維也納，後來又去了俄羅斯，一度定居在聖彼得堡。


費爾德在聖彼得堡大紅特紅，是城內收費最高的鋼琴老師，俄國貴族爭先恐後排隊接受他指導，得到他指導成了貴族生活必要的身分配件。費爾德顯然不是個多好的老師，學生去上課，還得隨身帶香檳給他享用，一邊喝著香檳一邊敎，當然不太可能示範。他不示範也不敎樂句不敎音色，整堂課全集中在指法訓練上。學生問他踏瓣該如何踩，他的回答簡單明瞭：「不要踩！」費爾德怎麼可能覺得踏瓣不重要？為了表現克里蒙第鋼琴的優越聲音延長效果，他還發明了大量運用踏瓣的「夜曲」形式，不是嗎？


他根本就只是隨便應付俄羅斯貴族罷了。他自己還拿在俄羅斯敷衍貴族的經歷，到處誇耀。在沙龍裡表演一段鋼琴音樂後，他會從皮夾裡拿出一張小畫像，對著全場的觀眾說：「這是我太太。她本來是我的學生。可是她老是不付學費，而且我發現她根本付不出來，只好娶她做太太，不然我虧大了！」接著他還炫耀自己在聖彼得堡敎貴夫人時，常常敎到睡著，被生氣的學生搖醒：「我每小時付你二十盧布呢！」


費爾德擁有他那一代最精確靈活的彈琴手指，而且還能製造出最優美感人的琴聲。葛令卡形容他彈琴的話最是經典：「他的指頭像是眾多的雨點，如同絨布上的珍珠般紛紛落在琴鍵上。」他寫的十八首夜曲，曾經是巴黎沙龍上最受歡迎的作品，美妙的琴音自然讓觀眾安靜下來，在聲音裡感受夜的靜寂與沁涼。蕭邦一到巴黎，最早學到的，就是摹仿創作「夜曲」，靠著套用「夜曲」特殊的句法和聲，征服巴黎上流社會。


「夜曲」後來幾乎成了蕭邦的印記，講起「夜曲」，大家首先想到的，就是蕭邦，而不會是費爾德。蕭邦崇拜費爾德，不是沒有理由，換個角度看，費爾德討厭蕭邦、忌妒蕭邦，也不是沒有理由。


費爾德當然怨嘆，明明是他發明的「夜曲」，為什麼後來被蕭邦偷去了呢？蕭邦寫的曲子，比費爾德的好聽優美感人，是主要理由，但卻不是會全部的理由。同的重要的理由，我們可以從與費爾德、蕭邦同時期的另一位鋼琴家莫索爾斯的紀錄中找到。莫索爾斯聽了費爾德的音樂會，第一時間寫下：「沒有別的現象比看著費爾德彈夜曲，看古怪矛盾的了！他的音樂和他的態度南轅北轍，他看起來那麼吊兒啷噹！」


還有一位鋼琴家，也誠實講了對費爾德的印象。這個人是浪漫主義大將，以強烈表演風格改寫鋼琴演奏史的李斯特。李斯特在替法國雜誌寫的評論中，對費爾德的動作大感困惑。費爾德動作上最大的問題，就在沒有一點跟音樂呼應的動作。費爾德受過嚴格訓練的手指，沒有一點多餘的動作，「而且他的表情引不起人一點點好奇心。他的冷靜近乎麻木，完全不在乎自己的模樣會留給觀眾什麼樣的印象。」


蕭邦、李斯特在音樂史上成就大名，費爾德卻沒能跟他們並肩平起平坐，一個根本因素就在於，費爾德所演奏的音樂，跟他的人有太大的差距了。費爾德的鋼琴琴聲，還有他創作的曲子，不只以優美見稱，而且內中飽含了真誠真摯感情的暗示。「夜曲」給人什麼樣的聯想？當然是夜深人靜，庸俗虛偽的社會被夜色隔離了，人面對自己，面對最親近的人，最私密的感受，在安寧中有著無法自欺的真實。


可是演奏這樣曲子的費爾德，在場子上沒有一點動作可以表達他的內在感受，場子下又是個弔兒郎當蠻不在乎的個性，要如何說服別人，他可以是、應該是這種音樂的主人？


蕭邦長期受肺病之苦，他的鋼琴彈奏軟弱優雅；李斯特擁有他那一代，甚至鋼琴史上最強健的手指，在演奏會上經常敲垮好幾架鋼琴。兩人的風格對比強烈，但他們卻有更深層的共同點──人的形象與他們音樂的風格，互相呼應彼此吻合。音樂不是外在於他們人身之外的表演，而是他們內在的自然表露，他們的演出讓看到聽到的人相信，那是出於內心自我的忠實表達。


真摯真誠，不掩飾地顯現自我感情，無論那感情多強烈多極端，是浪漫主義帶來的新信條。聽音樂，不再是看戲耍，音樂演奏重要的，不再是手指能動多快，連音能又多好的歌唱性，即興演奏有多少別人想不到的變化，這些過去被視為重要的壯觀表演元素，在費爾德活躍的時代，快速引退了。


取而代之的，是音樂既要從演奏者身體中掏心掏肺，表現出他最內裡最真實的一面，音樂還要感動聽眾，給他們深刻的生命體悟。費爾德創作「夜曲」，給浪漫主義添加了重要的溝通感動工具，但他自己卻無法融入浪漫主義的時代潮流裡，無法讓音樂和個性連結組構，音樂是音樂，人是人，終於使得他被排除在音樂史的主流之外了。


從費爾德吃瘪的時代開始，音樂與人與個性緊密結合，就再也沒有分開了。好的音樂不只需要好的技巧，還要有技巧背後的人味與感情，沒有人味沒有感情，也就沒有美好音樂了。


http://tw.myblog.yahoo.com/jw%2180MS29GfExsj_EuMC0JNUSkT5w--/article?mid=44&prev=48&next=33&l=f&fid=7

String Trio op.2
and String Quintet op.6 No.1

From public library.
Surprisingly good.

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柏林愛樂 (BPO) 在卡拉揚帶領下於1972年在倫敦 Royal Festival Hall演奏史特拉汶斯基的《春之祭》，這個BBC現場錄音是首度由 Testament 發行 CD。

Testament又加碼兩張卡拉揚的現場錄音，這是卡拉揚與柏林愛樂1972年5月的倫敦演奏會，第一夜（15日）演出莫扎特和史特拉汶斯基，第二夜（16日）選的是卡拉揚最愛的組合：《英雄的生涯》與貝多芬第4號交響曲，但後來卡拉揚變更曲目改由貝多芬第6號《田園》代替，由卡拉揚最信任的BPO 首席 Micheal Schwalbe 擔任《英雄的生涯》的小提琴獨奏。

1970年代，柏林愛樂 (BPO)在卡拉揚 (Herbert von Karajan)帶領下攀上頂峰，這段時間的DGG 的官方錄音固然是矚目的焦點，BBC當年留下立體聲廣播錄音，現在多了音樂會現場錄音可以證明這個超級黃金組合當年的實力。